FESTIVAL DE OTOÑO 2019

El otoño se viste de azul de la mano del festival como un homenaje a la artista portuguesa Helena Almeida (1934 - 2018). Ella es el pulmón estético y filosófico de un programa que apuesta por el teatro, la danza contemporánea y la performance, pero también por diferentes e interesantes formatos como el teatro visual, las instalaciones -escénicas o cinematográficas-, la música y el teatro documental.

Encontraremos, además, seminarios creativos que finalizan con muestras abiertas al público, conversaciones y encuentros con los creadores, además de otras experiencias.

Más información: www.madrid.org/fo

PROGRAMACIÓN EN TEATROS DEL CANAL

Todo lo que está a mi lado. Fernando Rubio

Planta -2 (Hall de la Sala Verde). 15 de noviembre, de 18.00 a 21.00h; 16 y 17, de 12.00 a 14.00 y de 18.00 a 21.00h

Una cama. Una actriz. Un solo espectador. Cuerpo a cuerpo. En un encuentro de tan solo 10 minutos. Todo lo que está a mi lado es una experiencia escénica única que se crea en vivo e implica al público para permanecer como un recuerdo inmutable a lo largo del tiempo en su memoria. “Mi obra es una mirada contemporánea sobre el mundo”, dice Fernando Rubio. Considerado como uno de los creadores más relevantes del mundo en el ámbito del teatro de intervención urbana, el dramaturgo, artista visual y performer argentino ha investigado en las últimas dos décadas sobre la reformulación del espacio escénico, la intimidad y la relación con el público. En este 37º Festival de Otoño, Rubio acercará a Madrid una de sus creaciones más aplaudidas, Todo lo que está a mi lado, galardonada con seis premios en el prestigioso Lift Festival londinense (2016). Siete actrices españolas -Conchi Espejo, Elena Seguí, María Morales, Mónica Bardem, Nerea Barros, Rosalía Castro, Susi Sánchez y Verónica Forqué- compartirán lecho y reflexiones con el público en esta intervención urbana en sesiones de 10 minutos. Con Todo lo que está a mi lado, las intérpretes exploran las posibilidades y los límites de la experiencia que surge del encuentro entre dos personas desconocidas.

Con el apoyo de: Ministerio de Educación, Cultura, Ciencia y Tecnología de la Presidencia de la Nación (Argentina), UNSAM - Universidad Nacional de San Martín (Buenos Aires, Argentina), Lectura Mundi y El Jardín Sahel estudio

Exhalación: vida y muerte de De La Puríssima. De La Puríssima / Julia de Castro 

Sala Verde. 16 de noviembre, 20.00h

“De La Puríssima nunca tuvo miedo, se creó para cuestionarse a sí misma. Se mostró como campo de batalla, en sus letras, en su música, en el propio cuerpo de Julia de Castro. Hoy, tras una década de creación, decide morir. Es una celebración, México estuvo siempre en su ADN”. Tras una década reinventado el cuplé y derrochando talento y sensualidad sobre los escenarios, De la Puríssima se despedirá de las tablas en el marco del 37º Festival de Otoño. El dúo conformado por la música y actriz Julia de Castro y el contrabajista Miguel Rodrigáñez estrena así su último espectáculo, Exhalación: vida y muerte de De La Puríssima. Con él, pretenden poner fin a diez años de revolución de este género musical escénico, que el singular tándem ha fusionado con el jazz, la cumbia y la electrónica en escenarios de medio mundo. En su despedida sobre las tablas, Julia de Castro demostrará que sale al escenario a morir cada velada. Para la artista, no hay un espacio más sagrado.

ARCHIVO. Serrucho

Sala Negra. Del 19 al 22 de noviembre, de 18.00 a 20.30h; día 23, de 12.00 a 13.30h y de 18.00 a 20.30h; día 24, de 12.00 a 13.30h y de 17.00 a 19.30h

• Instalación escénica con pases cada 30 minutos en grupos de 4 espectadores.

Espectáculo no adaptado para personas con problemas de movilidad. No recomendado para públicos menores de 12 años.

En el centro del escenario, un gran bloque de archivadores parece flotar en la oscuridad. Alrededor, los archiveros abren y cierran cajones, absortos en su pulsión clasificatoria. El sentido común nos dice que, para resolver un problema complejo, el primer paso es segmentarlo y categorizarlo. Pero no podemos dividir la realidad en cajitas o compartimentos estancos que no se ven afectados por los demás. Cerrar un cajón es abrir otro en algún otro lugar. El teatro inmersivo hace su aparición en el 37º Festival de Otoño con la compañía Serrucho, que nos habla de los límites del planeta, el solucionismo tecnológico, la teoría de juegos, la bachata o el romanticismo biológico. ARCHIVO es una experiencia emocional que permite al espectador vivir los efectos inesperados que tienen nuestras acciones para los demás, para el planeta y para nosotros mismos. Es una creación que sitúa al público en el centro de la propuesta y que transforma a los espectadores en archiveros que manipulan los cajones de una instalación. Al hacerlo, descubrirán historias grandes y pequeñas, hasta darse cuenta de que cada acción que ejecutan no es aislada: su decisión individual influye directamente en la experiencia de los otros. Su historia condiciona la de los demás, así como la de sus compañeros la suya.

Under the Influence. Maja Kleczewska / Silesian Theatre

Sala Verde. 20 y 21 de noviembre, 20.00h

En 2017, la directora polaca Maja Kleczewska recibió uno de los premios de teatro más prestigiosos de Europa: el León de Plata de la Bienal de Venecia. Un galardón que venía a acreditar la trayectoria de una de las personalidades más destacadas y audaces del teatro polaco contemporáneo. Su trabajo, que bebe de la reinterpretación de los clásicos pero que no duda en mezclarse con lo kitsch y la cultura popular, se centra en la búsqueda de la identidad y en la incapacidad del ser humano para encontrar su lugar en el mundo. El punto de partida del montaje con el que Kleczewska visita por primera vez España no es otro que la película de 1974 Una mujer bajo la influencia, de John Cassavetes, pionero del cine independiente estadounidense. La obra captura el frágil estado mental de una mujer ahogada por el peso de los lazos familiares y las convenciones sociales. El uso del vídeo y la música acompañan una poderosa puesta en escena, celebrada por la crítica como “un éxito incuestionable” (Vogue) o “hermosa pieza de teatro. Kleczewska construye intensos momentos de extrañeza, curiosidad y sorpresa”. (The Theatre Times).

Requiem pour L. Fabrizio Cassol y Alain Platel / les ballets C de la B

Sala Roja. 21 y 22 de noviembre, 20.30h

 El 37º Festival de Otoño acoge la nueva colaboración entre el creador de les ballets C de la B, Alain Platel, y el compositor Fabrizio Cassol, cuya creatividad confluye en un extraordinario espectáculo de música y danza. En Requiem pour L., Platel y Cassol indagan en la muerte y los rituales funerarios tomando como punto de partida una de las composiciones musicales fúnebres más reconocidas, el Réquiem en re menor de Mozart. Cassol reinterpreta esta misa de difuntos a través de la influencia ecléctica de géneros como el jazz, la ópera o la música africana. Requiem pour L. es un brillante y conmovedor ejercicio artístico que, mediante una nueva interpretación musical, física y visual, abre la posibilidad de generar debate en el fuero interno del espectador en torno a la eutanasia. Con verdadera delicadeza, de forma poética, luminosa y vital, pero también contundente, sin ocultar toda su crudeza. En palabras del propio Platel, “Requiem pour L. es una celebración de la vida”.

Ersatz. Julien Mellano / COLLECTIF AÏE AÏE AÏE

Sala Negra. 26 y 27 de noviembre, 19.00h

“Un cruce entre el teatro y las artes visuales, entre Jacques Tati y Black Mirror. Eso es Ersatz, el resplandor helado de un futuro ya presente”. Así presenta el colectivo francés AÏE AÏE AÏE su última creación, con la que el director, performer y escenógrafo Julien Mellano fantasea, libremente, sobre el hombre del mañana. El extraño protagonista de Ersatz, que este mes de noviembre se presenta por primera vez en España de la mano del 37º Festival de Otoño, es el resultado de una absurda alquimia entre los humanos y las máquinas. Un especimen solitario, remanente de un futuro desencantado, que ha sufrido las consecuencias de una revolución tecnológica que no ha logrado un completo equilibrio. En esta creación muda, Mellano explora la realidad virtual manipulando objetos reales. Con un humor un tanto perturbador, el creador envuelve al público en una misteriosa búsqueda del tesoro, donde los símbolos y los objetos cobran vida en una suerte de cuadro metafórico, que recuerda extrañamente a las vaninades del siglo XVII.

European Philosophical Song Contest. Massimo Furlan y Claire de Ribaupierre / Numero23Prod - Théâtre Vidy-Lausanne

Sala Verde. 23 de noviembre, 20.00h; día 24, 18.30h. Ver vídeo

Usando el viejo truco del caballo de Troya, Massimo Furlan y Claire de Ribaupierre reintroducen el pensamiento y la reflexión filosófica en el corazón del entretenimiento a través de un espectáculo musical que funciona como un festival de primer nivel, pero que enfatiza la necesidad de recuperar el pensamiento para la cultura popular. Inspirados en el Festival de la Canción de Eurovisión, sacan a escena un concurso centrado en las letras de las canciones. Una tarea que han encargado a ocho pensadores europeos (filósofos, historiadores, antropólogos, etc.), cada uno de una nacionalidad diferente, que han escrito la letra de una “canción filosófica” siguiendo la estructura de una canción tradicional –versos, estribillo y puente–, pero dejando de lado la poesía y el lirismo para considerar aspectos sociológicos, antropológicos o filosóficos de nuestro mundo contemporáneo. Un equipo de músicos y compositores de Lausana ha orquestado las letras, que serán interpretadas sobre el escenario por diferentes artistas en diferentes estilos. Por supuesto, un jurado formado por especialistas en historia contemporánea, filosofía, ecología, antropología y ciencias ambientales, entre otras materias, estará presente en el concurso y conducirá el espectáculo por debates fascinantes, divertidos e inesperados.

On Goldberg Variations / Variations. María Muñoz y Pep Ramis / Mal Pelo

Sala Roja. 26 y 27 de noviembre, 20.30h

La compañía de danza catalana Mal Pelo lleva 30 años investigando y creando un lenguaje propio. Su relación personal con la obra del compositor alemán Johann S. Bach comenzó con BACH, el espectáculo que en 2004 mostró por todo el mundo. Una primera piedra como parte de un proceso de inmersión completo y profundo alrededor del genio barroco -Bach Project- que la troupe prevé culminar en 2021. En este marco, este 2019 estrena On Goldberg Variations / Variations, donde Mal Pelo continúa dialogando con las diferentes vertientes de uno de los tótems indiscutibles de la música clásica. Las variaciones Goldberg es una composición musical para piano ideada por Bach en 1741. Lo que liga la composición no es una melodía común, sino un fondo de variaciones armónicas. Sobre ellas, el compositor e intérprete franco-americano Dan Tepfer sugirió las Variaciones Goldberg, combinadas con sus propias variaciones improvisadas. Una propuesta presentada en 2011 en forma de trabajo discográfico: Goldberg Variations / Variations. El desafío de Mal Pelo en On Goldberg Variations / Variations se basa en esta reinterpretación de Tepfer. A partir del estudio de la música barroca y la relación con el movimiento, el espacio y la dramaturgia coreográfica, la compañía catalana sigue indagando en planos no revelados hasta el momento.

Las cosas que sé que son verdad. Julián Fuentes Reta / Octubre Producciones

Sala Verde, 30 de noviembre, 20.00h; 1 de diciembre, 18.30h

*El espectáculo continuará en cartel dentro de la programación regular de los Teatros del Canal del hasta el día 15 de diciembre.

Tras triunfar en 2015 en los Premios Max con su espectáculo Cuando deje de llover, el dramaturgo Andrew Bovell y el director Julián Fuentes Reta coinciden de nuevo en un proyecto teatral que sitúa los abismos familiares en el centro de su eje argumental. “Las cosas que sé que son verdad es un retrato complejo e intenso de los mecanismos de la familia -y del matrimonio- desde el punto de vista de cuatro hijos”. Así introduce Fuentes Reta su nueva creación. En una casa suburbana, con un pequeño jardín, una familia de clase media afronta el paso de un año decisivo. A través de la metáfora material del transcurso de las cuatro estaciones, que condensarán el crecimiento de cuatro hermanos y hermanas y sus vínculos con su padre y su madre, el público asistirá al desarrollo de un organismo que mutará, se agitará y morirá, para seguir, siempre, incontenible e imparable, respirando y transformándose. Con una gran contención, la pieza -protagonizada por Verónica Forqué, Julio Vélez, Pilar Gómez, Jorge Muriel, Borja Maestre y Candela Salguero- sigue explorando un tema constante en la imaginería de Bovell: la relaciones, las fisuras y los vínculos de las personas con la naturaleza. Con aquello que está más allá del conocimiento y del dominio humano y va trazando el transcurso de nuestra vida.

Orestes in Mosul. Milo Rau / NTGent

Sala Roja. 30 de noviembre, 20.30h; 1 de diciembre, 19.30h

El suizo Milo Rau se ha convertido en uno de los artistas más aclamados y polémicos del teatro europeo por sus montajes marcadamente políticos. Para muchos críticos, es el más influyente, ambicioso e interesante director de su generación y, entre otros galardones, ha recibido el Premio Europeo de Teatro en 2018.A través del teatro, ha denunciado la corrupción política, la homofobia, el fanatismo, la violencia, las torturas o el abuso de poder, granjeándose importantes enemigos y batallas judiciales. Cuando en 2018 fue nombrado director del NTGent, Rau hizo públicos los puntos del manifiesto por el que se regiría su proyecto artístico. Entre ellos, el que exige que al menos una producción por temporada debe ensayarse o representarse en una zona de guerra. Un intento de llevar la maquinaria teatral allá donde realmente se necesita. En ese contexto surge Orestes in Mosul, que traslada la Orestíada al paisaje devastado de Mosul, en el norte de Irak, antigua capital del Estado Islámico. Sin adornos, casi con vocación periodística, la obra presenta una Orestíada para nuestro tiempo con la que demostrar que los ecos de la sangrienta tragedia de Esquilo, considerada uno de los mitos fundacionales de la civilización occidental, aún resuenan hoy en día.

AÑO LORCA 2019

The Things Beyond: la conferencia de Poeta en Nueva York. María Fernández Ache y Will Keen

Sala Roja. 16 de noviembre, 20.30 y 22.30h

El 25 de junio de 1929, Federico García Lorca llega a Nueva York, huyendo de sus demonios. Se halla sumido en una profunda crisis personal; un cambio de aires le vendrá bien, sin duda. Al principio, el frenético ritmo metropolitano le resulta estimulante, pero no tardará en verse horrorizado por un mundo que sitúa al hombre y sus ambiciones firme y exclusivamente en su centro, negando todo lo demás. Un mundo que no puede estar más lejos estética y espiritualmente de su adorada Andalucía. Un mundo que se encuentra a las puertas de su propia crisis: la crisis financiera de 1929.

De esa profunda y formativa experiencia nacerá aquello que él llama “su reacción lírica”: una colección de versos encendidos que titulará Poeta en Nueva York. Versos inquietantes, rabiosos, nostálgicos; a ratos desesperados, místicos, severos, eufóricos, iluminados, proféticos... Son el intenso relato de la vulnerable alma del poeta, que lucha por descifrar la furia helada de la máquina urbana, industrial. Abogan apasionadamente por el vínculo entre el ser humano y la naturaleza, y por la responsabilidad que el hombre tiene hacia ese vínculo, argumentando, desde el lugar más profundo, que una vida sin espíritu en realidad no es vida.

Lorca no cree, sin embargo, que el mundo esté preparado para asimilar en crudo lo que ha escrito. Tras su estancia en Estados Unidos, escribe una conferencia cuyo propósito es dar contexto a los poemas y explicar su génesis. En su conferencia, intercala ese verso intenso con una prosa más sosegada; una prosa que, aunque marcada por su riquísima imaginación, ofrece un marco realista. La creación resultante es una suerte de diálogo entre prosa y poesía, entre mente y espíritu, entre locus y numen.

Comedia sin título. Sara Molina

Sala Negra. 29 de noviembre, 19.00h; 30 de noviembre y 1 de diciembre, 18.00h

"Comedia sin título es una pieza inacabada, interrumpida, premonitoria en lo que se refiere a los hechos que relata. Está dividida en tres actos, de los que solo tenemos el primero, un fragmento que usamos como dispositivo. Ningún intérprete es un personaje en concreto, entre los más de diecisiete que propone la pieza. Nuestra propuesta fragmenta el texto, repite escenas, es tragicómica. Es un continuo diálogo con lo que quedó escrito y lo que falta, que se hace palabra viva, elocuente, equivocada, misteriosa, necesaria o superflua. Nuestra. Contemporánea. El segundo y tercer acto van a ser escritos sobre la página en blanco de la escena, en un ahora elaborado y reflexivo, pero, al mismo tiempo, lleno de aventura, asumiendo riesgos. Serán escritos de tal manera que puedan después ser borrados y permitan al pensamiento mantener su compromiso con la pieza. Testimonio de un reencuentro. Exhibición de algo íntimo. De lo que falta, lo que no está, lo inconcluso, las palabras de otro. La dimensión íntima y la política se unen en la estructura, en la intención y en la extensión. Y, en ese anudamiento, algo de la singularidad de cada participante emerge en el corazón del discursivo escénico”. Sara Molina

* Programación sujeta a cambios